661 - Cartographier, médier et favoriser l'activité créative au Québec pour le mieux-être citoyen

En quittant leur pays d’origine, les enfants immigrants et réfugiés apportent avec eux un vécu qu’ils devront concilier avec leur nouvelle vie dans le pays d’accueil afin d’en faire sens. À cela s’ajoutent l’apprentissage d’une nouvelle langue, d’une nouvelle culture, et plus récemment, les défis occasionnés par la pandémie de COVID-19, ce qui peut mener au développement de difficultés émotionnelles et comportementales. Or, il existe peu d’espaces pour que les enfants expriment leur vécu et leurs émotions, notamment en milieu scolaire. L’offre en classe d’ateliers d’expression créatrice fondés sur l’expression par les arts et le jeu, pourrait venir combler cette lacune et favoriser la construction de sens ainsi que les capacités créatives et d’adaptation chez les enfants. En effet, les arts et le jeu encouragent le recours aux symboles et aux métaphores, ce qui permet d’approcher de façon moins menaçante le vécu douloureux. Ces ateliers se caractérisent de plus par leur approche non directive, mais structurante, qui permet aux enfants d’explorer leur vécu à leur rythme, dans un espace sécuritaire. 

Cette présentation a donc pour objectif d’illustrer, à partir de vignettes tirées d’une recherche-intervention en méthodes mixtes, comment les programmes d’expression créatrice (Jeu dans le sable et/ou Art & Contes) contribuent au bien-être des enfants immigrants et réfugiés, et ce en mettant particulièrement en lumière le processus et les capacités créatives des enfants.

Il convient de se concentrer sur l’artiste, Rose-Aimée Bélanger qui, à la fin de la cinquantaine, entreprend une œuvre avec l’ambition de créer et de partager la vision du monde qu’elle porte en elle depuis son plus jeune âge. Rose-Aimée Bélanger raconte qu’elle pensait avoir un tempérament artistique avant même de commencer sa carrière de sculptrice. Elle soutient qu’il est difficile de définir un tel état, mais elle est certaine qu’il est formateur.

Ainsi, mon objectif principal dans cette présentation est de rendre manifestes ses intentions et son processus de création dans l’élaboration de son corpus sculptural. Afin de parvenir à une compréhension plus complexe de la manière dont l’identité et la production artistique de l’artiste se sont forgées au cours des quarante dernières années, j’aborde les défis d’une négociation permanente entre les exigences de la vie et l’urgence d’être artiste, lorsque sa carrière prend son envol à ses 70 ans. 

L’analyse des sources premières me permet d’aller au-delà des objets d’art créés par la sculptrice et, comme le propose l’historien d’art Baxandall, d’étudier le contexte social et matériel de la production pour comprendre sa signification et sa valeur esthétique par l’acte créateur. Comprendre l’intensité créatrice de l’artiste, c’est reconnaître les résultats des recherches empiriques sur la créativité à un âge avancé. Ceux-ci indiquent qu’il est possible pour les individus créatifs de prévoir une activité continue jusqu’à la fin de leur vie.

L'intelligence artificielle (IA) est une discipline en pleine expansion qui a vu le jour dans les années 1950 avec l'arrivée des ordinateurs modernes [1]. Au départ, la question était de savoir si une machine pouvait incarner l'intelligence, ce qui a conduit à des tentatives de reproduction de comportements en requérant une certaine forme [2]. Au fil des ans, de nombreux défis ont été relevés, allant de la défaite de champions du monde dans les jeux à somme nulle jusqu’à la maitrise de la conduite de véhicules. Les récentes avancées dans l'apprentissage profond se sont fait sentir dans toutes les disciplines, rivalisant même avec l'humain en matière de créativité [3]. Aujourd'hui, l'IA peut peindre, dessiner, composer et écrire avec une qualité confondante, même si les résultats demeurent encore imparfaits. Cependant, la question la plus importante demeure sans réponse : une machine peut-elle réellement créer ? Après tout, derrière les réseaux de neurones complexes se cache en réalité du langage machine, exécuté pas à pas. Les opinions s’entrechoquent et diverge fortement quant à l'avenir de la créativité avec l'IA [4]. Certains considèrent que cela marque le début d’une révolution artistique, tandis que d'autres y voient plutôt une violation de copyright du travail d'artistes. Enfin, quelques-uns pensent que c'est un phénomène passager. En fin de compte, l'IA créative est-elle un changement de paradigme, un simple outil ou une perturbation plus profonde de la créativité ?

Depuis 2018, le MNBAQ place l’humain au coeur de ses objectifs mettant en valeur la diversité, l’accessibilité et l’inclusion. De cette vision découle plusieurs projets innovants développés en collaboration étroite avec la communauté.

En partenariat avec l’École Iguarsivik de Puvirnituq, Tarratuutiq est une proposition de médiation culturelle en art et santé en réaction à la préoccupation des enjeux de santé mentale chez les jeunes inuit du Nunavik. L’objectif principal de cette initiative est l’autonomisation des individus, levier important pour la promotion de la santé des populations. Par le biais de l’art et de la créativité, les jeunes ont été invités à repenser des oeuvres de la collection permanente en exprimant leurs enjeux personnels, notamment en lien avec la crise climatique. La création s’est présentée à eux comme un outil d'expression et de transformation pour favoriser la prise de contact, l’implication, l'engagement et l’inclusion dans leur communauté. Cette initiative donnera naissance à une exposition itinérante et parcourra différents villages du Nunavik et du Québec.

Co-créé avec et pour la communauté inuite, ce projet vise à développer les jeunes leaders de demain et leur permettent d’inciter leur communauté à réfléchir collectivement sur leurs enjeux en utilisant l’art comme outil d’engagement.

Le cas de la démarche pour une nouvelle politique culturelle à Gatineau

Vingt ans après l’adoption de sa première politique culturelle, la Ville de Gatineau est en pleine réflexion sur l’avenir de son développement culturel. Les défis à relever sont importants, alors que la Ville accuse un retard historique en matière d’investissements culturels provinciaux, et qu’elle doit se démarquer d’Ottawa, ville voisine et capitale fédérale. Le développement urbain effréné de même que la diversité importante de la population gatinoise soulèvent des enjeux d’accessibilité à la culture. Le milieu culturel est aux prises avec un problème d’exode de ses artistes et travailleurs culturels et l’entrepreneuriat culturel reste un secteur limité.

À travers cette présentation, le Service des arts, de la culture et des lettres de la Ville de Gatineau présentera les réflexions qui ont nourri la démarche en cours pour construire une politique culturelle moderne et ambitieuse, qui vise à répondre à ces défis et à faire en sorte que la culture contribue à affirmer l’identité de la quatrième plus grande ville du Québec et qu’elle devienne un moteur pour son développement social, économique et territorial.

Le projet scientifique et culturel du futur Musée régional de l’Outaouais se veut ambitieux et de son temps.  Être un phare et un accompagnateur pour les organismes du patrimoine de la région, rien de moins!  Un musée territorial, un musée de société, un musée reflétant le passé, le présent et envisageant l’avenir dans un souci d’inclusion sans exclusion, de diversité des identités sans confusion, et d’accès afin d’être un lieu vivant, contemporain et accessible à tous. Un musée qui pariera sur la culture participative et l’intelligence collective, tout en étant mobilisateur pour une région unique qui mérite d’être connue tant par ses propres citoyens que par ceux venant de l’extérieur pour la visiter et l’apprécier.

Objectifs

L’objectif du projet du Musée régional de l’Outaouais est de devenir un lieu de cohésion pour une région aux identités multiples en faisant apprécier la complexité des interactions sociales et culturelles au fil des siècles. Il visera également à être au cœur des enjeux de citoyenneté et du vivre-ensemble.  Il cherchera également à être un socle stable au sein de l’immense territoire que constitue l’Outaouais, à être une maison commune, intégrée au territoire (tête de réseau et partenariats), et à favoriser son développement culturel, social et économique. Au final, le Musée se voudra conversationnel, où les paroles se démultiplient et s’enrichissent mutuellement.

Un musée en co-création

Un grand musée de territoire comme le projet du Musée régional de l’Outaouais définira sa mission en ayant en son cœur un rôle du médiateur avec ses publics et de rassembleur avec les partenaires du milieu qu’il dessert.  

Les artistes-entrepreneurs sont aux prises avec une tension identitaire entre les impératifs artistiques et économiques. Cette tension a été étudiée dans les pôles créatifs comme Montréal, New York, Toronto. Dans ces pôles, le politique met en place une structure favorisant la gestion de la tension. Cette recherche répond à la question: Comment les artistes-entrepreneurs évoluant hors des pôles créatifs arrivent-ils à mettre en place un compromis pour gérer cette tension? Pour ce faire, nous nous appuyons sur la théorie de la justification de Boltanski et Thévenot (1991; 2006). Dans les pôles créatifs, la tension identitaire entre les impératifs artistiques et économiques ou entre les mondes de l’inspiration et marchand est gérée grâce au politique ou du monde civique. Nous retenons comme méthodologie pour cette recherche l’enquête par entrevue. Spécifiquement, nous avons mené 50 entrevues semi-structurées avec des artistes-entrepreneurs de l’Outaouais. Nos résultats montrent un rôle plus effacé du politique. Pour gérer la tension, les artistes mettent en place 3 pratiques individuelles : création de réseaux pour exposer dans les pôles créatifs, la polyvalence et un ajustement des formes d’art. Ils mettent aussi en place 3 pratiques collectives : réseaux formels et informels d’entraide, ouverture de galerie personnelle et stratégies pour briser l’isolement. Contrairement au cas des pôles créatifs, la tension hors des pôles créatifs est gérée grâce au monde des projets.

Cette communication a pour objectif de partager ma plus récente recherche-créaiton sur la perte d’identité environnementale à travers une démarche auto-ethnographique située dans la création d’œuvres numériques. En tant que femme allochtone, mère d’un jeune enfant, je vis un sentiment profond de perte d’identité environnementale (Clayton et Opotow, 2003). Cette émotion, associée aux nombreuses manifestations de l'éco-anxiété a d'ailleurs été définie par le philosophe Glenn Albrecht avec son concept de solastalgie (Albrecht, 2019). Il décrit une sensation de profonde nostalgie face à un environnement qui a accusé plusieurs bouleversements, voire une indubitable dénaturation (Albrecht, 2019). En art, les préoccupations écologiques ont été problématisées par Louise Boisclair dans l’un de ses ouvrages, utilisant le terme écosphérique pour référer à toutes formes d’art reliées à la Terre et à la vie qui s’y trouve (Boisclair, 2021). Elle répertorie ainsi bon nombre d’artistes tels que Philippe Boissonnet, Lorella Abenavoli, Tomás Saraceno, Rafael Lozano-Hemmer, pour ne nommer que celleux-là, qui transposent leur engagement ou leurs émotions face à la perte de la biodiversité sous la forme de création. Dans le cadre de cette recherche-création, je m'interroge sur ce nouveau rapport à la nature et comment mon profil et mon identité particulière d'artiste-designer est transformé par la réalité environnementale actuelle.  Pour mieux saisir cet identité environnementale en reconstruction et comment il peut impacter la création, j'ai opté pour une méthodologie auto-ethnographique afin de placer ma compréhension de la relation de l'humain et de son milieu au centre du projet. Selon l'approche prônée par Louise Schouwenberg et Michael Kaethler, cette méthodologie me permet non seulement d’observer les changements de modèles qui émergent de la rencontre et de la création, mais elle me permet aussi de consigner la transformation de mon identité environnementale au sein d’un journal de bord (Schouwenbert et Kaethler, 2021). Celui-ci établira le socle d'un récit de pratique qui permettra de saisir le fil narratif qui a mené à la conception d'œuvres numériques. En utilisant des archives photographiques personnelles, le machine learning et différents dispositifs interactifs, je tente de définir les nouveaux contours de mon identité environnementale.

Dans un contexte socio-économique caractérisé par de multiples turbulences, en particulier provoquées par les mutations numériques, l’accroissement de l’offre culturelle, les évolutions des pratiques de consommation, et renforcées par la crise de la Covid, les entreprises et les créateurs/trices de la culture sont de plus en plus mis au défi de repenser leur positionnement stratégique par la traduction de leur création en offre viable pour le marché.

Dans cette présentation, dans un premier temps, nous exposerons quelques cas entrepreneuriaux et intrapreneuriaux significatifs qui, en dialogue avec le cœur artistique de leur projet, explorent les dimensions plus périphériques, parfois dites « instrumentales » de la valeur afin de renouveler leurs propositions de contenus et de régénérer l’attrait de leurs offres pour les publics ou les parties-prenantes. Ces propositions nouvelles questionnent aussi les pratiques de création, les modèles de développement et de financement de la création, les perspectives de carrières et les formes de relations aux publics et aux parties-prenantes.

Dans un second temps, nous exposerons quelques initiatives du milieu qui permettront aussi de montrer que ces évolutions touchent l’ensemble de l’écosystème et inaugurent des débats à poursuivre à la fois sur les modèles de valeurs et sur les approches d’accompagnement et de développement des connaissances, compétences et capacités.

L’écosystème musical québécois (EMQ) est relativement singulier à travers le monde : florissant jusqu’à la fin des années 1970, celui-ci a dû se réinventer suite aux chocs pétroliers départ des majors du Québec. Depuis lors, cet écosystème vit une succession de crise qui lui impose de se réinventer. Ainsi l’EMQ s’est adapté aux différentes transformations et innovations (technologiques, politiques et économiques) et plusieurs outils de régulation ont été mis en place à l’aune de chaque nouvelle crise. 

Paradoxalement, la « crise du piratage » a eu beaucoup moins d’effet négatif sur l’EMQ que le streaming musical. En effet, alors que les majors voyaient fondre leurs revenus avec le piratage massifié au carrefour des années 2000, les chiffres de ventes de CD au Québec se portaient très bien. Inversement, alors que les industries musicales dégagent à nouveau des bénéfices records avec le streaming depuis 2014, l’économie de l’EMQ, elle, est en perte de vitesse. Les acteurs de l’EMQ (État, industries, associations professionnelles, etc.) ce sont alors entendus sur la mise de l’avant des outils de découvrabilité pour essayer de passer cette nouvelle crise. 

Nous aimerions ainsi dans le cadre de cette communication brièvement rappeler les grandes phases de structuration de cet écosystème pour montrer par après comment le concept de découvrabilité a pris une place centrale dans ce secteur. 

Cette communication a pour horizon de discuter le format et les résultats d'une expérience récente de conception de mocktails, menée avec un groupe d'étudiants de premier cycle en design industriel. Les paramètres de notre expérience seront présentés ici comme une stratégie potentielle de "découvrabilité". Après avoir observé, par le biais des évaluations annuelles du programme, un déficit créatif parmi le corps étudiant, nous avons lancé une charrette de design annuelle en 2021 (Nickley, Gumus-Ciftci, Proulx, 2021). Par le truchement de ce type d'activité, courte mais intense, nous cherchons à offrir aux étudiants un espace exaltant et sans risque pour stimuler l’expression de leurs compétences créatives. Après deux ans, avec des résultats intéressants mais mitigés où nous avons observé que les étudiants prenaient le sujet trop au sérieux, nous avons cherché des paramètres qui soutiendraient mieux l'objectif de susciter un état d'esprit créatif. Le design pédagogique de notre charrette prend appui sur les méthodes contemporaines de design spéculatives (Gentès et Mollon, 2015), la théorie des objets frontières et les théories de psychologie cognitive telle que celle du growth mindset (Dweck et Legget, 1988) et des fondations sociales de l’action (Bandura, 1986). L’approche a consisté à choisir un sujet original - les mocktails - en marge de ce que nos étudiants (et la discipline) connaissent et maîtrisent, pour servir de catalyseur à la “découvrabilité" sur plusieurs niveaux. Comme notre activité plaçait les étudiants dans des groupes hétérogènes, chaque équipe étant composée d'un étudiant de 2ème, 3ème et 4ème année, un élément qui s’est révélé de cette expérience est la manière dont les étudiants évaluent par procuration (vicariously) leurs propres capacités. La composition des équipes a favorisé la comparaison entre leur soi et leur futur soi, ou entre leur soi et leur soi passé. En engageant les étudiants autour d’un sujet marginal, cette charrette leurs a permis de prendre confiance en leurs capacités créatives en reconnaissant la mesure ils peuvent les affirmer en étant notamment capables de les exprimer même en dehors de leur domaine professionnel typique.

L’industrie événementielle a connu au cours des dernières années une évolution rapide exposant les projets événementiels à de nouvelles tendances qui s’appliquent à toutes les parties prenantes (Thélinaus, 2023). En effet, l’application des tendances événementielles repose largement sur l’intégration des différentes parties prenantes de la population cible (Dufour-Bouchard, 2022; Lesage, 2023). 

Cette recherche s’intéresse à comprendre comment les gestionnaires intègrent les parties prenantes principales dans les projets événementiels en région : cas de la région de l'Outaouais. Dans cette étude, les principales parties prenantes identifiées dans les projets événementiels sont les gestionnaires, les prestataires de contenu et les clients. Le cadre théorique de la justification de Boltanski et Thévenot (1991) est mobilisé pour cette recherche. 

L'étude de cas multiple, dont quatre projets événementiels ont été sélectionnés dans la région et 40 entrevues semi-structurées sont menées auprès des trois principales parties prenantes de chaque cas. Les résultats révèlent que l’intégration des parties prenantes autour d’une programmation qui suscite l’intérêt des différents acteurs impliqués est au cœur de la mise en œuvre et oriente les actions du gestionnaire sur cinq éléments incontournables. Ainsi, l’intégration des principales parties prenantes permet de mettre en valeur les artistes, la présentation de l’événement, le public, le partenariat et les nouvelles technologies. 

Le Conseil de la culture de l’Estrie (CCE) travaille pour et avec le milieu culturel. En ce sens, pour nous, le mieux-être citoyen signifie le mieux-être des artistes et des travailleurs et travailleuses culturel.les. Et nous pouvons faire le constat, près de 3 ans après le fameux 13 mars 2020, que la pandémie a impacté profondément et durablement l’écosystème culturel et artistique. En Estrie (comme ailleurs), nous avons pu noter plusieurs enjeux majeurs auxquels les artistes et travailleur.euses doivent faire face : les limites des ressources financières publiques pérennes, la rareté croissante de la main-d’œuvre ainsi que les difficultés de rétention de celle-ci. A l’instar de Simon Brault, qui déclarait, en mars 2020 : "Le modèle actuel est particulièrement fragile, car très morcelé et réparti en de nombreux organismes de petite taille. (...) après la pandémie, il va falloir réfléchir à regrouper les intelligences et les capacités.", le CCE travaille à la mise en place d’un Pôle culturel régional qui vise à explorer les changements organisationnels nécessaires à la croissance et au rayonnement des organisations culturelles en s’appuyant sur une plus grande solidarité, des maillages et des partenariats accrus entre les acteurs culturels.