302 - Création artistique et littéraire

Dans le cadre de mon doctorat en Études Littéraires (Recherche-Création), j’écris un roman. Comme pour d’autres œuvres (la nouvelle La plage, DUB Éditions, 2015 ; les récits poétiques hallucinations désirées et origines en fuite, L’Harmattan, 2018), j’alterne mes séances d’écriture avec la pratique du Yoga, du Do-In et d’autres techniques somatiques. Dans ma communication, je décrirai mon processus et j’expliquerai de quelle façon mon corps sensoriel et physique influence mon œuvre dans son contenu et dans sa forme. Par le biais des théories de Judith Butler, Christine Détrez et Andrea Oberhuber, je réfléchis sur la relation entre le corps, les environnements de vie et la création littéraire. L’âge, la santé, les identités sexuelles et sociales, mais aussi les régimes et les activités sportives façonnent notre condition existentielle, qui se décline, par exemple, dans la création des personnages d’une histoire, dans le choix d’un style littéraire plus réflexif ou plus descriptif. Cette communication aborde les questionnements à la base du volet recherche de mon doctorat. En 2019, j’organiserai deux ateliers corporels d’écriture (Italie et Québec). Des écrivain.e.s écriront en lien avec la pratique de certaines techniques somatiques. Ma thèse questionnera l’importance que des activités physiques pourraient avoir au sein de l’enseignement de la création littéraire, mais aussi ce que la prise de conscience du corps nous dit sur les représentations sociales de l’écrivain.e.

Dans une étude ou neuf experts devaient travailler l’interprétation d’une œuvre jamais entendue et produire un enregistrement professionnel, Héroux (2018) a démontré que le processus de création permettant de développer une interprétation est conditionné par les valeurs portées par chaque musicien. Ainsi la conception de ce qu’est une bonne interprétation, de la liberté artistique dont dispose un musicien par rapport à la partition et la tradition (Hastings 2006), ainsi que l’importance qu’il accorde au concept d’authenticité à une œuvre (Taruskin 1995) influencent les stratégies de travail choisies. Alors, dans quelle mesure, pour ces experts, l’enseignement de l’interprétation est-il aussi influencé par les mêmes conceptions et valeurs?

Les résultats de l’analyse thématique d’entretiens semi-dirigés qui visaient à connaître les conceptions de neuf experts quant à l’enseignement l’interprétation musicale, de l’expressivité et de la créativité ont été croisées avec l’analyse du processus de création de chacun des participants (Héroux, 2018). Les résultats finaux démontrent que les experts qui se sont octroyé le plus de liberté dans leur propre processus de création sont aussi ceux qui ont le plus de facilité à en aborder l’enseignement avec leurs élèves ou leurs étudiants. Les résultats démontrent aussi la difficulté à développer un discours cohérent sur le développement de l’interprétation et de la créativité dans l’interprétation musicale dans un contexte pédagogique.

La musique de la compositrice canadienne Jocelyn Morlock est de plus en plus reconnue pour ses couleurs harmoniques subtiles et son lyrisme mélodique. Les six chansons de Perruqueries (2014) pour soprano, baryton et piano, avec les paroles de Bill Richardson, sont axées sur l'obsession des perruques. Richardson puise de personnes réelles (Galina Vishnevskaya, Bobby Hall et Andy Warhol) ou de personnage fictif (Nursery Rhyme, One N Short of a Wing et Albert). Afin de communiquer l'absurdité du thème principal, Morlock cite des extraits d'œuvres reconnues, telles que l'opéra Tosca de Puccini, le lied Erlkönig de Schubert et le Thème du hockey de Claman, tissant des liens entre les œuvres originales et les chansons de Perruqueries. Par exemple, la compositrice introduit des thèmes tirés de Tosca pour mettre en évidence la performance de Vishnevskaya lorsque sa perruque prit feu lors d'une performance de l'opéra, en partie parce que la diva refusait de porter une perruque résistante au feu. En incluant des thèmes tirés de Tosca, Morlock crée des liens à l'opéra et à l'événement, situant l'analyse dans le champs d'emprunts musicaux, une méthode proposée par Burkholder (1994, 2018) et Metzer (2003). La juxtaposition de matériels contrastants dans et entre les différentes chansons soulignent l'absurdité des perruques. Le tout nous donne un commentaire social sur la place de l'apparence physique dans la société contemporaine.

La photographie fait partie intégrante de la vie quotidienne et est aussi devenue un élément essentiel de la vie de famille. Or, les photographies familiales prennent de la valeur grâce aux histoires que les personnes qui y sont intimement liées partagent entre elles. Pour comprendre le dispositif de la photographie, Barthes a développé la terminologie de l’Operator (le photographe), du Spectrum (le sujet de la photographie) et du Spectator (l’observateur de la photographie). Toutefois, qu’en est-il des photographies familiales qui impliquent une histoire? Qu’arrive-t-il lorsqu'il ne s'agit pas de notre propre famille, mais de celle de quelqu’un d’autre? Prolongeant cette réflexion, je distingue trois types de regardeurs d'une photographie familiale : le regardeur interne, le regardeur externe et le regardeur transitionnel. Le regardeur interne est directement lié à la photographie : soit il y est lui-même représenté, soit il en est l’auteur. Le regardeur externe est celui qui n’a aucun lien avec l’image et ne dispose d'aucun point de repère pour la situer. Enfin, le regardeur transitionnel se trouve au milieu des deux autres : non concerné directement par l’image, il peut toutefois en venir à y repérer des éléments d’intérêt pour lui et à se l’approprier dans une certaine mesure. Cette typologie s’intègre au processus de ma recherche-création, dans laquelle j’utilise la retouche photographique afin de permettre à un regardeur externe de devenir un regardeur transitionnel.

C’est depuis les années 2000 que commencent à  se médiatiser un nouveau phénomène muséal très présent sur les réseaux sociaux par l’intermédiaire duquel le public va s’approprier des œuvres d’art dans le but de trouver son sosie. Cette nouvelle action  se  nomme le Doppelgänger, ce qui signifie « sosie » en  allemand.

 Etudions donc ici ce récent phénomène muséal, qui  consiste  à trouver son sosie parmi des œuvres d’art de différentes institutions de type musée d’art, de  se faire photographier et par la suite de poster cette photographie sur les réseaux sociaux.

Cette récente manifestation encore méconnue présente un nouveau rapport à l’utilisation des photographies des musées, car celles-ci peuvent être prises à différentes fins. Cette initiative touche différents profils de visiteurs, mais plus particulièrement les 16-40 ans dits aussi « la génération smartphone » et affecte différents lieux et salles d’expositions. Chaque visiteur est susceptible de réaliser  un Doppelgänger et nous pouvons constater que le comportement du visiteur va donc changer avec l’arrivée du phénomène et de la photographie dans l’institution.

Il convient donc de  se demander si notamment le téléphone intelligent facilite le développement de  ces Doppelgängers ?  et aussi de voir de quelle manière le comportement du visiteur s’est modifié ainsi que les initiatives muséales que cela engendre. Et par conséquent d’étudier les différents Doppelgängers possible et leurs devenir.

L’atelier de médiation nommée peaux virtuelles a été réalisé dans le cadre de l’exposition Scnvir-coexistence présentée au Centre d’exposition de Val-d’Or en 2018. Elle encourageait l’objectif de provoquer une expérience esthétique collective à partir d’une création numérique en réalités mixtes. Un espace de croisement entre corps et avatars, où des effets d’hybridation seraient observés par les utilisateurs d’une application de réalité augmentée. L’un des enjeux de ce type de projet est l’accessibilité et la compréhension par le visiteur de ce qui « fait œuvre ». Notre hypothèse était que l’être-ensemble numérique, ici sous la forme d’une médiation artistique participative, faciliterait l’accessibilité du projet et permettrait de vivre des expériences fortes au moyen des technologies mobiles interactives et de la projection vidéo. Notre démarche de médiation intervenait directement sur l’apparence des avatars du projet. Leurs peaux virtuelles étaient recouvertes par une texture photographique issue des images produites durant l’atelier. Nous avons constaté que l’unité d’apparence entre les toiles peintes sur le mur et les avatars tirait un fil rouge entre l’espace d’exposition et l’expérience d’un monde parallèle. L’être-ensemble numérique, que l’on retrouve à plusieurs niveaux au sein de notre démarche, prolonge l’exploration et expérience artistique par le jeu et l’implication collective au sein de l’œuvre. L’accessibilité de l’expérience virtuelle en est facilitée.

La préoccupation fondamentale du design est orientée vers l'humain en tant qu’être conscient (cognitif, sensoriel et émotionnel), qui interagit dans un environnement spatio-temporel, social et culturel particulier. Le designer est porteur des démarches d'innovations par ses capacités à imaginer, à mettre en scène et à représenter des usages et des pratiques possibles issus des technologies. Il applique la démarche d'analyse, de proposition et de création du design aux nouveaux enjeux humains, culturels, économiques, politiques et technologiques.

Le développement exponentiel de la technologie génère un besoin constant d’explorer les implications des technologies émergentes. La science-fiction nous aide à digérer ces progrès, car elle utilise ces technologies pour imaginer des futurs possibles. La science-fiction s’insère dans notre imaginaire collectif et elle nous dévoile des futurs d’anticipation, des passés revisités et des présents alternatifs. Cette communication analysera l’esthétique du design spéculatif, étudiera sa relation symbiotique avec la science-fiction et tentera d’ouvrir des nouvelles pistes de réflexion sur la prospective des expériences futures.

La communication aura pour objectif d’analyser, dans le plan épistémologique, le début ainsi que le processus d’évolution de la musique latino-américaine à Montréal, et ce à partir du parcours et des expériences vécues par les musiciens d’origine latino-américaine, qui ont mené leur carrière artistique à Montréal. Également, nous nous intéressons à connaître de quelle façon le contact entre les musiciens venus d’ailleurs a influencé le parcours artistique des musiciens latino-américains basés à Montréal ainsi que les passerelles qui ont permis leur réussite et leur perception de la scène musicale latino-américaine à Montréal au présent. La méthodologie utilisée est de caractère qualitatif, dont l’observation participative, l’analyse de différentes sources documentaires et l’entrevue. La question principale qui a orienté notre recherche est: Dans quel contexte s’est produit l’arrivée de la musique latino-américaine à Montréal, quels aspects ont marqué son évolution, et comment se reflètent-ils dans le parcours et les expériences des musiciens d’origine latino-américaine qui ont mené leur carrière artistique dans la belle province. Les hypothèses de la recherche soutiennent que la présence des musiciens venus de partout a influencé la création de nouveaux rythmes musicaux qui ont donné naissance à ce qu’on appelle aujourd’hui la ‘‘musique du monde’’; la musique d’origine latino-américaine y a participé.